香港巴塞爾：當商業超越藝術

每年三月份，巴塞爾開幕之際，香港都會成為各路藝術參與者的天堂，這其中既包括藝術愛好者和青年藝術才俊，也包括頂級藏家和藝術大咖，甚至也不乏娛樂明星們。這個50年前發端于瑞士小城巴塞爾的藝術博覽會，從2013年進入香港，經過7年的發展已經成為亞洲較具影響力的藝術品（尤其是當代藝術）展銷會之一。

　　相應于香港的國際化城市地位和開放包容的多元文化氣質，這樣的展會在這里舉辦似乎再合適不過。但是，細看展銷會上的藝術作品，似乎商業的性質超過了藝術本身。

　　顯然，展品的價格并不親民，據主辦方不完全統計，開業前兩天的成交總額就超過3000萬美元，貢獻最大的則是單幅動輒百萬美金的藝術作品，其次是40-50萬美元的作品。雖然也有幾千到幾萬美元的，只是幾米的大尺幅或是非繪畫作品是否適合老百姓收藏、消費不言而喻。

　　正如網友質疑的“那么大，那么貴的作品，到底誰會買？”這恐怕也是絕大部分普通觀眾的疑問。除此之外，普通參觀者被收取不菲的門票，從380到1000多元不等，種種跡象表明這樣的藝術博覽會實質上并不是為普通藝術愛好者設立的親民博覽會，它的資本意味十分明顯。借著香港金融中心的特殊地位，到最后，藝術變得與普通觀眾無關，而只是各家畫廊、各方資本力量的角力場，收藏家、投機家和當代藝術家互相炒捧的游戲舞臺。實際上，中國的大眾目前更需要的是符合審美取向、更接地氣的藝術品博覽會。

　　從作品角度來看，過度個體化的追求致使藝術品偏向于說教和概念，偏離藝術范疇而走向商品化。在筆者看來，那些抽象的拼貼雕塑，掛著的幾條大牛仔裝置和簡單的畫布涂抹等等，大部分展銷品的共同特征在于與觀眾的審美疏離和語境錯位。作品內涵的晦澀，預示著藝術家和藝術作品主體的削弱，是對傳統藝術的本末倒置和最終消解。很多時候和生活相混淆，是當代藝術的一貫伎倆，因而實際上也就看似新鮮卻不新鮮。部分作品強調個性，卻在追求個性的潮流里喪失了個性，致使藝術最具價值的本體語言和本體魅力逐漸喪失，呈現的所謂藝術品與時尚、流行的消費產品并無本質區別。

　　所以，香港巴塞爾可以說是西方當代藝術在亞洲的分銷點。當代藝術更多地注重材料、形式、觀念、包裝、消費等，模糊了藝術的界限，更模糊了關于美的界限。這種對形式感和概念的過分強調，本質上恰是反藝術的存在。在這里，藝術不是指向心靈和審美本身，而是市場交易和投機倒把成功后的快感。在這里，盡管人們可以不了解作品本身，但藝術家一夜成名，作品價格一夜暴漲仍然可能發生。因為游蕩著資本的幽靈而讓人感到浮華和喧囂，甚至可以說無關乎審美。這樣的展覽對繁榮經濟，促進社會廣義文化的多元化不乏意義，但作為一個地區和國家的標志性文化盛事似乎還差得遠。

　　看待香港巴塞爾，如果結合當代藝術的國際環境和發展路徑，似乎更為清晰。當代藝術根本上是以美國為首的西方國家掌握話語權的藝術，所以，在香港展會上我們看到那些游走于西方各類當代藝術展的當代藝術家的名字，以及嘗到甜頭并死心塌地追隨的國內當代藝術名家，便不足為奇；我們還看到來自世界各地的兩百多家參展商中，那些牢牢把控著當代藝術市場的畫廊身影。

　　從收購香港國際藝術展到成為亞洲規模最大的藝術展銷會，說明了當代藝術主宰國文化擴張策略在亞洲的初步成功。這種成功滲透著西方價值觀的咄咄寒氣，不禁令人毛骨悚然。

　　筆者認為展出的藝術作品與中國人中庸、平和、含蓄內斂的民族審美特質相差甚遠，甚至格格不入。但也必須意識到，近十萬參觀者的趨之若鶩和國內當代藝術家以此為榮的事實，是中國美術在當代發展的一個縮影。我們必須旗幟鮮明地指出：跟風西方式的當代藝術不應該是中國藝術發展的主流方向。

　　前不久筆者曾關注德國卡塞爾文獻展將在亞洲展出的新聞，這雙“塞爾”，一個制造、生產當代藝術家，一個包裝、銷售當代藝術家的藝術，是西方當代藝術生產機制的代表模式和重要兩極。如今雙雙挺進亞洲，有包圍中國藝術之勢。從這個意義上說，香港巴塞爾，既是一場借著藝術之名的商業盛宴，又不那么單純。主辦方自詡全球藝術水準最高的藝術展會，在這五花八門的展品中，殊不知以什么標準判斷其整體水平。這出當代藝術家、畫商、策展人、理論家們一起唱的雙簧越熱鬧，越會讓人感到像當年尤倫斯式資本回潮帶來的不安。在游資拍岸中、在滾滾商業潮流前，我們優秀的文化基因和獨立千年的美術體系，保持足夠的定力顯得尤為迫切。